Critique

Tel un générique de film bien huilé, le mot pop, surtout lorsqu’il est accolé à la désignation « pop art », fait immanquablement défiler dans notre esprit une kyrielle de noms retentissants : Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, David Hockney, Jasper Johns, George Segal, Robert Indiana… Cette litanie s’apparente à une histoire que l’on croit bien connaître, tant le pop art s’impose à nous comme le mouvement artistique le plus populaire essaimant dans toutes les disciplines : mode, cinéma, design, littérature, poésie et musique bien sûr. À côté des élus connus de tous, aux productions certes incontestables, rarement apparaissent les noms de Kiki Kogelnik, Pauline Boty, Marjorie Stridern ou d’Ángela García. Jugement fautif du temps ?

 

Le courant pop induit à l’évidence une histoire simplifiée, celle d’un ordre escamotant indiscutablement les figures de femmes dont les œuvres, étonnantes d’invention cependant, ont une portée manifeste. C’est ce récit que proposent les organisatrices de She-Bam Pow Pop Wizz ! Les amazones du pop, judicieusement imaginé dans le cadre des 30 ans du MAMAC de Nice (Musée d’art moderne et contemporain, qui ne cesse de poursuivre sa mue sous l’égide de sa directrice Hélène Guenin).

Exit donc les œuvres et le discours attenant que l’on s’attendrait à voir dès les premières salles, présentes pour certaines au fil du parcours, appartenant à l’histoire de ce musée marqué du sceau de l’École de Nice [1]. En lieu et place des commentaires sur la société de consommation des années 1950-1960 dans le monde anglo-saxon, sur le règne de l’objet publicitaire ou l’impact de la culture de masse à travers la bande dessinée et les Super héros, c’est à une immersion bien différente que nous sommes conviés.

Déplaçant le point focal de ce qui serait l’essence du pop art (l’incarnation plutôt que la représentation), le projet des Amazones du pop rend palpable les transformations des mentalités voulues par de nombreuses artistes femmes, mais aussi leur lucidité et leur liberté, fers de lance de leurs combats.

Si l’on doit à Richard Hamilton l’image emblématique préfigurant le pop art avec son collage Just What is it that makes today’s homes so different, so appealing ! (1956) [2] : photo-montage de magazines juxtaposant la figure d’un body builder (arborant une sucette marquée de l’inscription « pop ») auquel fait écho son pendant féminin (une pin-up exhibant avantageusement l’un de ses seins), porteurs d’un hymne à la gloire de l’« american way of life » triomphant (aux symboles éloquents : téléviseur, aspirateur Hoover, magnétophone dernier cri, enseigne Ford trônant au mur, couverture de la revue Young Romance…) ; ici, rien de tel. L’exposition s’ouvre sur une toute autre tonalité.

C’est à deux figures iconiques, personnifications de l’atmosphère joyeusement fantasque de l’époque, qu’il revient de nous introduire sur fond de clip musical. Les protagonistes, Brigitte Bardot en brune fatale plantée avec aplomb, toute en cuissardes et cape, en duo avec Serge Gainsbourg, y interprètent la chanson Comic Strip aux notes onomatopéiques fantaisistes (à l’origine du titre enlevé de l’exposition).

Ces indisciplinées revendiquent une conscientisation liée à de nombreuses questions de société.

Il n’en faut pas plus pour nous projeter dans le vortex des « sixties » et nous faire passer de l’autre côté des cases, dans le sillage d’amazones dont l’aspiration est d’imaginer « des formes d’art et de vie désirables, engagées, joyeuses, déterminées… » (Hélène Guenin). Sans avoir pour seule ambition de déconstruire un récit historique longtemps hégémonique (voir l’éclairant texte de Géraldine Gourbe, philosophe, critique et co-organisatrice, qui fait « feu sur le pop art à la papa » et ressuscite les noms de critiques de Lucy Lippard – la première à avoir écrit sur le pop art – Linda Nochlin ou Laura Cottingham), il s’agit d’élargir à d’autres approches restées négligées.

En cela cette exposition est une première en France qui s’inscrit dans la mouvance de regards novateurs initiée par les expositions Seductive Subversion. Women Pop Artists, 1958-1968 (initialement conçue à la University of the Arts de Philadelphie par l’historien de l’art Sid Sachs – avec Kalliopi Minoioudaki – dont on saluera la contribution dans le catalogue) ou de POWER UP. Female Pop Art (organisée à la Kunsthalle de Vienne, cette même année 2010).

Les perspectives esquissées ici renouvellent l’idée basique de l’air du temps d’une civilisation de la consommation aux couleurs suaves, prônant la vie sous tous ses aspects, pour mieux en souligner la part active jouée par ces artistes en matière de changement des mentalités. L’appétit de vivre au sortir de la seconde guerre mondiale (avant d’être rattrapé par l’amorce d’un désenchantement dû à la crise économique née du choc pétrolier de 1973) participe de cette ère généralisée des conquêtes de tous ordres : de l’émancipation comme affirmation de soi, d’où un féminisme libérateur puisera sa force, à celle de la conquête de l’espace.

Cette irrépressible aspiration à la liberté, à devenir pleinement maîtresse de son destin jusqu’à se poser en héroïne de sa propre vie, a pour noms Brigitte Bardot à la beauté et à la moue insolentes, Emma Peel (au nom révélateur né du jeu de mots avec « Man Appeal », que l’on pourrait traduire par « charmeuse d’hommes ») incarnée par une Diana Rigg mythique dans la série télévisée britannique Chapeau melon et bottes de cuir, mais aussi Jane Fonda présente dans l’exposition sous les traits d’une Barbarella sexy à l’extrême (d’après la bande-dessinée de Guy Peellaert, adaptée à l’écran par Roger Vadim, court-vêtue par Paco Rabanne) devenue l’activiste que l’on sait, engagée dans la dénonciation de la guerre du Vietnam (confère un document de l’INA, la présentant vent debout lors d’une âpre conférence de presse à Paris), puis dans celle du réchauffement climatique ces dernières années.

Ces indisciplinées revendiquent une conscientisation liée à de nombreuses questions de société. Figure de proue de cette exposition, essentielle du point de vue de l’histoire du musée, Niki de Saint Phalle est l’une de celles-ci. On la savait vindicative dans son art et dans ses pensées (au-delà du fait d’être affiliée de façon parfois réductive à l’artiste Jean Tinguely, son compagnon artiste et aux Nouveaux Réalistes, aux côtés de qui elle incarnait la rare femme artiste de ce cénacle), l’exposition nous la révèle assumant pleinement la part de violence cathartique véhiculée par ses Tirs (de peinture).

En témoigne l’extrait de la vidéo Daddy qui nous restitue la mise à mort symbolique du père (amplifiée par un texte dit par elle, terrible et drôle à la fois, invoquant l’élimination de ce géniteur dont on sait qu’elle fut abusée par lui enfant). L’esthétique pop et colorée de ses formes est une arme parée de ludisme et d’humour, afin de mieux en affuter le côté percutant. On goûtera la malice de son « protocole de tir », judicieusement surdimensionné à la manière d’un manifeste, affiché façon diptyque avec le portrait de l’implacable Emma Peel.

Cette force de conviction acérée résonne jusque dans ses textes. Ainsi écrit-elle à propos de ses Nanas : « Elles sont libérées de toutes ces conneries : sentimentalité, mariage, masochisme […], elles sont indépendantes, elles sont joyeuses. […] Maintenant elle (la femme) est dans une période où elle va vers quelque chose de nouveau. Alors c’est passionnant aujourd’hui… Le [monde] des mecs est en train de s’écrouler un peu j’ai l’impression. On va vers quelque chose de nouveau, mais quoi ? ».

L’exposition montre bien avec ce pouvoir rendu aux femmes, combien l’hédonisme, la question du désir, ne sont plus l’apanage de la seule gent masculine

Croyance en un « Nana Power », auquel renvoient les sérigraphies sur papier de Dorothy Iannone fortes de cette prémonition : « The next great moment in history is ours » [Le prochain grand moment dans l’histoire est le nôtre] – inspirée d’un article de la journaliste et activiste féministe Vivian Gornick. Ses dessins d’une veine illustrative, mettant en scène des individus invariablement nus, dont la plupart sont des couples de femmes, s’avèrent l’expression de cette conviction que « La sororité, c’est l’amour, pas le pouvoir, d’accord ? ».

L’exposition montre bien avec ce pouvoir rendu aux femmes, combien l’hédonisme, la question du désir, ne sont plus l’apanage de la seule gent masculine. Kiki Kogelnik, Marjorie Strider et bien d’autres incarnent avec humour cet affranchissement désinhibé, entre candeur teinté d’Éden glamour et irrévérence. Un corpus d’œuvres énonce cela dans des explosions de couleurs et des mises en œuvre qui excèdent volontiers la forme « tableau » pour tendre vers des compositions tridimensionnelles aux découpes étonnantes, privilégiant les plans rapprochés et angles de vue en raccourcis (Angela Garcia, Milvia Maglione).

Le registre des représentations s’emploie à la valorisation de certaines postures archétypales du désir ou de la séduction surjouée, via la reprise de certains codes traités avec une dose égale de drôlerie et de brio. Ainsi l’art de « l’érotomobile » (du titre d’une toile), imaginé par Évelyne Axell, trouve-t-il son prolongement dans un autre tableau également plein d’esprit : Axell-ération. Éloge de la conduite féminine vue selon le prisme en contre-plongée d’un jeu de pieds à la cambrure soulignée par des escarpins rouges en pleine action sur les pédales, cette toile à mi-chemin entre figuration et abstraction donne à voir la mise en œuvre stylisée d’attributs connotés traduits en peinture.

D’autres œuvres tout aussi étonnantes attestent de cette lecture raillant les codes convenus avec l’esquisse de visages féminins ramenés tantôt à un pur faisceau chromatique d’où émergent des yeux mis clos s’adonnant à la dégustation d’une glace (Ice Cream I) ou brossés au moyen de simples traits focalisés pour l’essentiel sur les contours d’une bouche entrouverte de façon suggestive (Girl with Open Mouth).

Quand il ne s’agit pas tout bonnement de déclarer comme Isabel Oliver : No quiero ser Marilyn [Je ne veux pas être Marilyn] ou à l’inverse de se substituer à Jane (affublée de lunettes propres à l’artiste), en attente d’être secourue par un Tarzan tous muscles saillants (Le retour de Tarzan), ou préférer se glisser dans un corps robot (ou celui d’un.e cosmonaute) afin de mieux se propulser dans l’imaginaire offert par l’espace comme promesse d’un futur fascinant.

L’attention à des personnalités telles que Sister Corita Kent montre l’étendue des incursions de cette exposition. Directrice de la section art d’un collège religieux à Los Angeles, habitée par la passion, la foi et la paix, elle aura su s’approprier le champ sémantique de l’engagement par le biais de la diffusion de slogans et citations sérigraphiés à l’esthétique volontiers pop, voire psychédélique, sans négliger une dimension performative impulsée aux processions qu’elle organisait, mue toujours par l’empathie.

La présence de cette rayonnante figure atypique, à l’ancrage culturel affirmé, dit bien au sein de l’exposition le souhait de la part de ses organisatrices de s’opposer à toute clôture tant historique que théorique. De même, il serait vain de rechercher dans She-Bam Pow Pop Wizz ! Les amazones du pop les contours d’une expression féminine à partir de la joyeuse appellation pop ; les personnalités révélées ou redécouvertes l’excèdent, témoignant d’une infinité de langages que l’on n’a pas fini d’explorer, loin des hiérarchies homologuées.

She-bam Pow POP Wizz ! Les Amazones du POP, exposition présentée jusqu’au 29 août 2021 au MAMAC (Musée d’art moderne et contemporain) de Nice. Puis en Allemagne à la Kunsthaus zu Kiel à partir du 2 octobre, et en Autriche au Kunsthauz Graz à compter du 14 avril 2022.